All About Leon

如何評價黎明?
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如何評價黎明?

2017-04-26 作者 | 陳賢江 新音樂產業觀察

關於黎明,有兩種極端的評價: 不是最被高估的天王,就是最被低估的天王。

持“高估論”者,最常見的理由是“ 唱功差,歌不紅 ”,而“低估論”者通常又會反駁稱“走音就那一次,歌不紅是因為寶麗金把國語市場的資源都給了張學友”。

雙方都有道理。 作為四大天王之一的黎明,從來沒有給人一種實力派的印象,他的聲線雖然有自己的特色,但相貌給人的印象更突出一點,最關鍵的是,相比其他三位天王,黎明的國語代表作少之又少,造成了“歌不紅”的局面——如果以《吻別》和《忘情水》為標準,黎明毫無疑問缺乏一首傳唱一時的“國民金曲”,郭富城不需要“國民金曲”,因為大家都知道他跳舞跳的好,黎明呢? 歌不紅,舞不跳,就只剩一張臉了。

但是,黎明的粉絲有足夠的理由給你懟回去:黎明的國語歌不紅是因為寶麗金偏袒張學友,黎明在寶麗金時期發行的國語專輯從製作到宣發都很敷衍,轉投索尼之後就很紅啊,比如《全日愛》;黎明的歌在香港很紅,“金曲金獎”(TVB頒發的“十大勁歌金曲”中的“金獎”,相當於“年度金曲”)是四大天王裡唯一能跟張學友平起平坐的;說黎明沒實力,可是人家在紅館連開26場演唱會,全部真唱……

“有心人”還可以找出更多的“理由”:黎明雖然不會跳舞,但他是名符其實的舞曲天王,他的《全日愛》曾經在21世紀前後“統治著”中國二三四線城市的髮廊、迪廳、2元店、溜冰場和“勁舞團”。 他的舞曲影響了整整一代中國人,其中包括中國最酷說唱廠牌的老闆、“盯鞋至死”的上海獨立搖滾樂隊吉他手、熱愛遊走英倫的知名DJ和新音樂產業觀察的創始人。 (也就是本文作者;P)

實際上,觀察音樂平台下黎明作品的留言,你會發現,有一個趨勢是,大眾正在重新認識黎明:電音先驅、低調有才、相見恨晚……等等,類似“原來黎明有那麼多好歌”成為留言的“主旋律”,典型的一首歌是《情歸於盡》;“重新認識”也帶來了對傳統唱片業時代作品的“新看法”,“黎明20年前的舞曲比《小蘋果》強多了。”有唱片公司的朋友甚至直言,黎明當年的歌曲質量要高於現在的李宇春。 (在此只是提供一種觀點,並不想引戰)

作為“四大天王”之一,黎明再怎麼被低估,也是娛樂圈的既得利益者,沒有有什麼是需要被“證明”的。 個人比較感興趣的是這麼三點:一,黎明身上,我們可以看到港樂從拼翻唱到拼原創的變化;二,藉由黎明的助力, 雷頌德上位 ,成為90年代至今香港最成功的音樂製作人,多位歌手的命運由此改變,比如楊千嬅、陳慧琳和盧巧音;三,20世紀末,由雷頌德和黎明聯手開啟的“ 港樂電音舞曲時代 ”,用短短兩年時間,成就了香港流行文化最後的“癲狂”。

翻唱出來的“天王”
1992年,TVB十大勁歌金曲頒獎禮現場,“四大天王”的金匾下,張學友、黎明、劉德華、郭富城一字排開,由此拉開了一個“天王時代”。
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據黃霑回憶,1990年代初,隨著許冠傑、張國榮、 梅艷芳等先後退隱,香港樂壇頹勢初現。 為此,“'香港電台'把張學友、劉德華、黎明和郭富城拉在一起,封了他們做'四大天王'救市。” (摘自黃霑的博士論文《粵語流行曲的發展與興衰:香港流行音樂研究(1949 - 1997)》 )

1992年,TVB十大勁歌金曲頒獎禮現場,“四大天王”的金匾下,張學友、黎明、劉德華、郭富城一字排開,由此拉開了一個“天王時代”。


(視頻截圖較模糊)

儘管同為“天王”,但四個人情況又不盡相同。

張學友和劉德華是老大哥,同為1985年發行首張專輯,但張學友在音樂上表現比較突出,1990年代前,《太陽星辰》、《夕陽醉了》和《只願一生愛一人》等已經在頒獎禮上嶄露頭角;劉德華憑藉影視劇的表現而東南亞一帶廣受歡迎,由此帶動唱片的熱銷,從1990年開始走上事業巔峰;黎明和郭富城都是小字輩,1990年才出道,郭富城主攻台灣市場,黎明則獲得TVB力捧。

放眼1990年代初的大中華市場,1992年的“四大天王”裡,真正具有影響力的是劉德華。 依靠影視劇積累的人氣,劉德華在1990-1991年間發行的國粵語專輯都有不俗的銷量表現,其中《如果你是我的傳說》、《一起走過的日子》、《我和我追逐的夢》和《來生緣》全亞洲銷量破百萬;張學友雖然在香港市場表現突出,但在大中華市場,1993年才憑藉《吻別》紅遍兩岸三地,然後才成為“歌神”;主攻台灣市場的郭富城,獲得飛碟唱片的力捧,國語唱片銷量不俗,並成為最早露面春晚的“天王”,但在香港市場,郭富城1992年才算正式“入市”。


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1992年的黎明可能是市場基礎最弱的一位,卻也是香港本土市場上位最快的一個。 憑藉《人在邊緣》(1990)和《今生無悔》(1990年)兩部大劇的“收視冠軍”,黎明在香港和周邊地區迅速打開市場,同期發行的歌曲也獲得了各大頒獎禮認可。 1990年,黎明獲得”十大勁歌金曲“的最受歡迎新人獎金獎,隔年便有兩首歌同時入圍“十大”。 1992年的十大勁歌金曲頒獎禮,黎明、張學友和劉德華各有兩首歌曲入選,三個人佔據了半壁江山,黎明由此與兩位前輩平起平坐。

不過,黎明在1990年代初的金曲,翻唱的比例很高。 1991-1992年,黎明四首入圍“十大勁歌金曲”的作品, 幾乎全是翻唱 。 最誇張的是1993年的《夏日傾情》,這張專輯讓黎明第一次獲得“最受歡迎男歌星”,卻有六首歌來自日本人的創作,加上翻唱自國語和英文的作品,整張專輯沒有一首本土原創歌曲。 (以作曲為標準)

“翻唱”在八十年末和九十年代初的香港樂壇是一個普遍現象。 張學友早年的獲獎歌曲《太陽星辰》和《只願一生愛一人》都是“翻唱”。 (《夕陽醉了》也不是本土創作)1992年的“十大中文金曲獎”入圍歌曲,十首歌裡有七首翻唱自日文歌。 其中包括張學友的《暗戀你》和《還是覺得你最好》,劉德華的《長夜多浪漫》和黎明的《我的親愛》和《但願不只是朋友》。

翻唱盛行的原因,主要是因為“成本低”。 陳淑芬接受采訪時曾說,八十年代翻唱多的原因是,相對原創,翻唱的信價比要高很多,尤其對於一些新成立的資金有限的唱片公司來說,聽好了買過來翻唱,能省不少錢。 這個情況一直持續到九十年代初。 那會兒, 當紅歌手一年發兩三張專輯很常見。 1993年,黎明發行了《夏日傾情》、《我的另一半》(精選)、《深秋的黎明》(國語)、《夢幻古堡》四張唱片,如此密集的發片,只有靠各種翻唱來支撐。 而像寶麗金這樣的國際級唱片公司,可以充分利用自己的全球曲庫資源,降低製作成本。

我們可以把“翻唱”視為一種資本積累初期野蠻生長的方式,但這種野蠻生長的方式終於在1994年走到了頭。

從拼翻唱到拼原創

1994年是香港流行音樂的一個“分水嶺”。 1994年之前,翻唱扮演著重要的角色,1994年開始,原創抬頭。

至少從四大天王的唱片看是這樣:1993年,張學友的專輯《我與你》有一半是翻唱,包括主打歌《只想一生跟你走》。 到1994年的《餓狼傳說》開始,原創作品挑起了大樑;1993年,郭富城的專輯《沒有你的愛》翻唱了四首日文歌,1994年初的專輯《狂野之城》也翻唱了三首日文歌,到1994年的《鐵幕誘惑》專輯開始,日文歌翻唱基本絕跡,國語歌翻唱零星出現,原創作品成為絕對主力。

這個“變化”在黎明身上表現得尤其明顯。 1993年的專輯《夏日傾情》達到“翻唱極致”之後,1994年的《天地情緣》,原創的《那有一天不想你》成為主打,日文歌翻唱減少到了一首,原創作品增加到三首,其中有一首還是黎明作曲。 (《晨曦》)

《天地情緣》無疑是黎明出道前五年質量最高的一張專輯。 慢歌如《那有一天不想你》、《藍色街燈》,快歌如《不醉舞夜》,都讓歌迷如痴如醉。 學院派出身的音樂人林慕德,編曲上很見功力,主打歌《那有一天不想你》器樂編排上豐富的層次感和縱深感,讓黎明徹底“脫胎換骨”。 這首本土原創作品橫掃當年的各大頒獎禮,並獲得“金曲金獎”,可算是黎明第一次在作品端獲得肯定。

唱片公司和林慕德想“複製”《天地情緣》的成功,在1995年推出了“續篇”《天地豪情》,銷量不如預期,卻是黎明的專輯全面走向本土原創的開始,林慕德和CYKong各自包攬三首創作,譚詠麟、唐奕聰亦有貢獻,翻唱作品減少到兩首。

現在回過頭來重溫《天地豪情》,我們會發現,其實這張專輯創作和製作水平頗高,主要問題可能是,林慕德的製作雖然精良,但對於黎明來說有點“老派”和“沉重” ,不太契合黎明的受眾群。 黎明的粉絲大多是青少年,對於這樣的人群來說,可能需要更輕鬆、易接受和較時髦的作品,但這似乎又跟追求品質相悖。

話說回來,在那個年代,創作者好像還沒有很好的辦法來平衡時尚和品質的關係。 1990年代初的香港主流音樂,創作套路相對單調,基本上可以分為情歌和勁歌,勁歌多以舞曲和輕搖滾為主,而且大多來自“翻唱”。

黎明的專輯給人的就是這樣的“刻板印象”,主打歌一首慢歌,一首快歌,剩下的都是一些普通的流行歌曲,並沒有什麼特別之處。 這讓黎明的作品在四大天王裡顯得很不突出:張學友本來就唱的好,專輯從《餓狼傳說》開始又有了比較大的飛躍;劉德華一直表現親民,各種“國民金曲”不斷;郭富城跳舞好,轉投華納之後,專輯曲風也更多元化,給人的印像很酷炫。

結果,對於黎明,大家的印象就只有“帥”了。

成功轉型

直到1996年的《Perhaps》之前,黎明給人的印象就是一個“墨守成規”的深情天王。

從《DNA出錯》和《全日愛》這些作品可以聽出,黎明骨子裡不是一個墨守成規的人,但是在出道之後相當長的一段時間裡,他並沒有找准自己的“定位”,或者說是沒有找到合適的“合作夥伴”。

改變他的是雷頌德。 當然,也因為黎明想改變,才會找到雷頌德。

在《Perhaps》之前,雷頌德已經通過為郭富城製作的《純真傳說》證明過自己。 這張1995年的“神作”中,雷頌德用電音、搖滾和說唱等把郭富城原來擅長的“港式舞曲”攪了個“天翻地覆”,卻收穫了TVB十大勁歌金曲最佳歌曲監製獎和叱吒樂壇作曲家CASH大獎等諸多獎項,《純真傳說》也獲得了“叱吒樂壇大碟IFPI大獎”等的“肯定”。 《純真傳說》的成功甚至讓“郭式舞曲”後續竟然“無以為繼”,轉攻深情路線。 (如《聽風的歌》、《愛的呼喚》和《風裡密碼》)。

而且,與《純真傳說》一樣,雷頌德又是首次跟“天王”合作就“ 大刀闊斧 ”:在雷頌德的操刀下,黎明一口氣嘗試了多種不同的曲風,搖滾如《微風之前(離別之後)》、迷幻如《色情男女》、清新如《或許…未必…不過》,全都“顛覆”了黎明以往給人留下的刻板印象。 哪怕深情如《情深說話未曾講》,也打破了傳統的情歌套路,讓當時市場為之一振。

“跟黎明第一次合作的時候,當時大家的想法就是一定要改變黎明原先給人的印象,所以大家做得都很辛苦。我記得當時錄《情深說話未曾講》的時候,我們花了很長時間,最後出來的效果非常好,所有人都大吃一驚。”雷頌德接受本人採訪時曾這麼說。

憑藉“驚艷”的表現,《Perhaps》橫掃當年的香港樂壇四大頒獎禮,成為1996年毋庸置疑的香港樂壇最佳專輯。 《號外》雜誌後來做十年回顧的專題,也把《Perhaps》選為1996年的唱片代表。

對於黎明來說,《Perhaps》最大的“價值”在於為黎明創造了多種新的可能性 ,讓他跳脫了自己傳統的“套路”,思路豁然開朗。

1996年發行的國語專輯《DNA出錯》就是很好的例子。 這張專輯除了曲風時尚多元(從舞曲到布魯斯),主打歌是同性戀題材,還是黎明首次以性感的造型出現。

值得一提的是,這張專輯並不是雷頌德主刀,所以從某種程度上說,黎明團隊意識到了“轉型”的必要性:對於黎明來說,在“四大天王”競爭白惡化的當時,除了“帥”,還需要新的“賣點”來刺激唱片銷量。 而從黎明的轉型選擇看,他和他的團隊似乎比較看好更國際化、更時髦、更前衛的路線。 而這在當時的香港市場,也確實是一個“空白”。

據說為《DNA出錯》填詞的周耀輝曾問黎明,你知道我寫的什麼嗎? 黎明回复,知道。 周耀輝又問,那你還唱? 黎明又回,有什麼關係?

張學友主打“唱功”,劉德華主打“親民”,郭富城主打“跳舞”,黎明選擇了“時尚”。 1996年開始,“四大天王”的市場格局終於明確下來。 (實際上,假如郭富城強化舞曲風格,原本有可能與黎明重合,但1996開始,郭富城在專輯上削弱了“舞曲”特色,追求做一個“實力派”,音樂上個性開始變得模糊,反而是黎明不斷強化舞曲特色,最終成為“電音先驅”)

“怪才”雷頌德
喜歡不按常理出牌的雷頌德有兩大“寶貝”,一是吉他,一是電音。
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香港樂壇的原創潮最早是從80年代末開始的,當時以達明一派、太極樂隊和Beyond為代表的本土樂隊興起,帶動了一批本地創作新銳冒尖。

作曲的有劉諾生、林慕德、黃尚偉,作詞的有林夕、劉卓輝和陳少琪。 這撥人,加上太極樂隊的鍵盤手唐奕聰、留學歸來的CYKong和黃霑力捧的得意門生雷頌德等,構成了1994年港樂“原創潮”的主力。 而這批本土音樂人,也正好趕上了香港唱片業最好的時代,因為唱片銷量長紅,“錢”景一片光明,所以唱片公司也敢於放手啟用年輕創作人。

多年前,我採訪陳少琪的時候曾經問過一個問題,“您覺得哪個時代的香港樂壇更好?”陳少琪的回答是,“如果從創作人的角度來說,我覺得九十年代比較好,因為那個時候銷售量和自由度呈正比。”

此外,香港“商業二台”(叱吒903)在1995年推動所謂“ 原創歌運動 ”,完全不播放“翻唱歌曲”,也從一定程度上推動了本土原創音樂的發展。 (不過黃霑對此持保留態度,認為這是揠苗助長,詳見黃霑的博士論文《粵語流行曲的發展與興衰:香港流行音樂研究(1949 - 1997)》 )

1991年的林海峰和葛民輝,兩人1988年開始在“叱吒903”主持節目,以“軟硬天師”著稱,1990年代初, 黃偉文加入“叱吒903”。 三人都以自己的方式影響著香港樂壇(圖片來自音樂圖鑑,Music Bus出版)

不管怎麼樣,從1994年-1995年起,雷頌德等年輕音樂人有了更多施展才華的機會。

作為黃霑的得意門生,雷頌德藉由電影配樂入行,在《青蛇》、《六指琴魔》和《東成西就》等影片的配樂中嶄露頭角,後來經人引薦,認識了時任華納高層的黃柏高,開始做唱片。

《東成西就》裡的插曲《哥仔靚》和《雙飛燕》都是雷頌德編曲

喜歡不按常理出牌的雷頌德有兩大“寶貝”, 一是吉他,一是電音

在還沒有迷上電音舞曲之前,雷頌德最擅長的套路是吉他搖滾,他和馮德倫組成的二人樂隊Dry把Oasis和Verve“抄”得惟妙惟肖的。 1996-1998年期間,他給黎明、許志安和陳慧琳創作和製作了大量的“吉他流行曲”,吉他在編曲中扮演了非常重要的角色。

比如“金曲金獎”作品《情深說話未曾講》和《只要為我愛一天》,拆解這兩首歌的編曲,你會發現雷頌德對於原聲吉他是多麼的“熱愛”。 同期的作品,如許志安的《我的天我的歌》和陳慧琳的《谁愿放手》,也有著很鮮明的吉他伴奏。 而在陳慧琳早年的兩張專輯《醉迷情人》和《風花雪》中,吉他更是編曲裡的絕對主角。

雷頌德對於“吉他音樂”的熱愛還表現在把搖滾元素帶入到主流歌曲創作中來。 陳慧琳的《Yeah Yeah Yeah》就是一首很典型的英倫搖滾作品,類似的作品還有郭富城的《強》和楊千嬅的《熱血青年》。 甚至,你會覺得這些作品的編曲比一些香港所謂樂隊的作品更像“Band Sound”,而雷頌德對於吉他的使用確實有自己獨到之處。

電音也是雷頌德的“摯愛”,據說他早年在英國曾跟CYKong和莫文蔚組建過一支樂隊,唱過傳奇電音樂隊Pet Shop Boys的歌。

可能是因為在英國留學的關係,雷頌德早年作品在電音的使用上更偏向歐式,後來才逐漸轉向“美式”。 不過,在黎明1997年的電音專輯《Leon Sound》之前,“電音”在雷頌德的作品裡更多是“甜點”,吉他才是“主菜”。

“電音天王”的誕生
1998年,黎明轉投新力唱片,從形像到曲風,都有很大的變化。
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1997年,黎明與寶麗金(1998年,寶麗金與環球唱片合併,統一改稱“環球唱片”)約滿,跳槽到新力唱片香港分部。 (“新力”為SONY的港台譯法)跳槽前,黎明發行了在寶麗金時代的最後一張粵語專輯《Leon Sound》。

《Leon Sound》是一張“奇怪”的唱片。 與《Perhaps》相比,僅有的兩首慢歌在《Leon Sound》已經完全變成了點綴,主角是各式各樣的電音節拍,Techno、Trance、Big Beat、Drum 'N' Bass、 Trip-Hop……但是,《Leon Sound》又不同於雷頌德後續的電音舞曲作品,不怎麼“流行”。 所以這張專輯在歌迷中也是評價兩極化,喜歡的人認為這是黎明最好的專輯,不喜歡的人會直接告訴你“難聽”。

可能是因為行將約滿的關係,《Leon Sound》並沒有太多宣傳,所以成為黎明銷量最慘淡的一張專輯,內地引進版甚至沒有CD。 不過,這張專輯奠定了黎明轉投新力後的基本方向: 電音舞曲

1998年,黎明發行了轉投新力唱片後的第一張唱片《我這樣愛你》(EP),從形像到曲風,都有很大的變化。 形像上,黎明改走簡約和時尚的風格,曲風上,雷頌德開始嘗試美式的Urban舞曲和Hip-Hop,吉他音樂全部退隱。 總之,在經過1996-1997年兩年的摸索之後,黎明團隊終於明確了“ 時尚天王 ”的方向,開始全力衝刺。

同年年底,黎明發行了加盟新力之後的第一張錄音室大碟《如果可以再見你》,封面沿襲了上一張的簡約時尚風格,曲風則全面轉向“ 美式 ”——雷頌德曾說,自己喜歡英倫音樂的個性和美國音樂的節奏,如果說,《Leon Sound》是前者,索尼時代的黎明就是後者。

《如果可以再見你》是雷頌德和黎明玩得最歡的一張專輯。 除了情歌和舞曲,還以NON-STOP的方式穿插了阿卡貝拉(A Cappella,無伴奏人聲,也翻譯成“清唱”)、黑人說唱和敲木魚喃經等。 而在舞曲上,既有美式Urban也有流行Techno。

1999年是黎明的“事業巔峰”,憑藉同樣主賣電音舞曲的《Leon Now》和《眼睛想旅行》,加上從上一年年底“暢銷”到這一年年初的《如果可以再見你》,到1999年年底,黎明有三張專輯賣進了“年度十大”,並且包攬冠亞軍。 (如下圖,媒體估算,僅供參考)

1999年底,黎明宣布不再領獎,開始淡出香港樂壇。 但是,在大中華市場,黎明“電音天王”地位卻是從2000年開始確立的,那一年,黎明發行了專輯《北京站》,主打歌《全日愛》攻陷各種“o海場”,次年,黎明發行了新力時代的最後一張國語專輯《The Red Shoes》,不但留下了《看上她》等大o海曲,還另外出了一張Remix版,黎明成為名符其實的“ 電音天王 ”。

左邊是《The Red Shoes》專輯正式版,右邊是混音版,因為這兩個封面,黎明被網友戲稱為“腳踩索尼的男人”

最後的“癲狂”
1999年開始,雷頌德的舞曲創作開始偏向旋律性強、節奏簡單粗暴的“韓式Techno”。 於是就有了《全日愛》和《花花宇宙》。

“黎明的《全日愛》,鄭秀文的《眉飛色舞》,陳慧琳的《花花宇宙》…….在這些許多酒吧必放的HIGH曲聲中,所有的人越來越瘋狂……”在2002年的一篇暗訪內地酒吧派對的文章中,我們看到這樣的文字。

這三首歌和三位藝人,就是千禧年港樂舞曲風潮的代表。

這裡面有個時代背景是,1996年前後,韓流全面來襲。 HOT、JTL、酷龍、李貞賢等歌先後被華語歌手翻唱,也帶熱了大中華的舞曲市場。 其中,又以翻唱酷龍等的韓國舞曲發家的徐懷鈺(《飛起來》、《妙妙妙》、《怪獸》、《向前衝》)和翻唱李貞賢的鄭秀文(《眉飛色舞》、《獨家試唱》)最為突出。

受此影響,1999年開始,雷頌德的舞曲創作開始偏向旋律性強、節奏簡單粗暴的“韓式Techno”。 於是就有了《全日愛》和《花花宇宙》。

對比一下雷頌德1997年-2000年的舞曲創作,可以感受到一些比較明顯的變化:

1997年的《舊約》(收錄在專輯《Leon Sound》)

1998年的《會客室》(收錄在專輯《如果可以再見你》)

1999年的《眼睛想旅行)(收錄在專輯《眼睛想旅行》)

2000年的《全日愛》(收錄在專輯《北京站》)

千禧年前後,“港樂”更新換代。 “四大天王”和王菲等逐漸淡出,陳奕迅、謝霆鋒、陳慧琳、容祖兒、楊千嬅、梁詠琪和Twins等新生代先後上位。 尤其是陳奕迅、謝霆鋒、陳慧琳和容祖儿的亮眼表現,讓人對港樂新一代充滿期待。 與此同時,譚詠麟和張國榮再戰江湖,“四大天王”和鄭秀文等“老前輩”繼續發揮“餘熱”,許志安和梁漢文等厚積薄發,黃耀明、盧巧音和LMF等妙筆生花,於是,千禧年的港樂市場熱鬧非凡:黎明和陳慧琳的“電音”、陳奕迅的“K歌”、謝霆鋒的“搖滾”、LMF的“說唱”、黃耀明的“另類”,構成了港樂最後的“癲狂”。

這真的是最後的“癲狂”。 如黃霑的博士論文所說,1997年開始,港樂市場已經呈現衰敗之勢。 “1997年本是唱片業二十年來市道最差的一年。但隨著1998年亞洲金融風暴的影響,市道更進一步收縮至全年銷售額只有6億港元左右。和1995年的18億比,只剩回三份之一。 ”(摘自黃霑的博士論文《粵語流行曲的發展與興衰: 香港流行音樂研究(1949 - 1997)》 )

千禧年前後的港樂市場,表面上看起來熱鬧,但內裡危機四伏。 究其原因,黃霑總結為“行業短視,翻版猖狂;科技發達,水平低降;社會老化,歌迷年輕;別人文化,港曲無光;注重包裝,不務正業;產品單一,乏善足陳。”

而2002年開始發生的一系列“意外事件”也可以說是港樂意想不到的“沉重打擊”:2002年,當時的“天王接班人”謝霆鋒陷入頂包門,一度暫別樂壇,回歸後勢頭大減;2003年,再戰江湖表現不俗的張國榮跳樓自殺,為香港娛樂圈蒙上了一層陰影;2004年,“張學友接班人”陳奕迅因為跟唱片公司翻臉,沉寂了一年半載;2008年,陳冠希和當時如日中天的Twins成員鍾欣桐陷入“艷照門”,陳冠希和Twins音樂事業均陷入停滯;2010年,Twins成員蔡卓妍召開發布會承認“隱婚”並道歉……至此“千禧一代”只剩陳奕迅和容祖兒艱難支撐。

2008年之後,真正打開大中華市場的港樂歌星,只有陳奕迅一人。 莫文蔚雖然在國語市場表現突出,但早已放棄了粵語市場。 (只是偶爾發行粵語唱片)

黎明的貢獻
從音樂行業發展的角度來說,黎明最大的貢獻在“創新意識”。

2002年,黎明發行新力時代的最後一張粵語專輯《Homework》,之後就基本淡出樂壇。 雖然後續仍然在繼續發行唱片,但更多是為了維持公司的運營——2004年,林建岳和黎明合資創辦東亞唱片製作有限公司(A MUSIC),作為老闆的黎明必然要身先士卒。

需要注意的是, 東亞唱片製作有限公司 (A MUSIC)和東亞唱片(集團)有限公司 (East Asia Music (Holdings) Ltd)是兩家獨立運營的公司。 前者是林建岳和黎明合夥,由黎明親自經營,後者是林建岳與劉德華合夥。 早年曾傳過劉德華和黎明爭“東亞一哥”,其實是不了解兩家公司的架構。


2008年,東亞唱片(製作)兩位老闆林建岳和黎明為旗下歌手楊千嬅慶功,楊千嬅也是當時東亞唱片(製作)旗下除老闆黎明之外的最大牌歌手

從音樂行業發展的角度來說,黎明最大的貢獻在“ 創新意識 ”。

黃霑在論文裡曾批評港樂創作單一。 應該說,雷頌德和黎明從專輯《Perhaps》(1996)開始的一系列嘗試,對於豐富港樂曲風是非常有價值的。 尤其是專輯《如果可以再見你》(1998),可謂香港樂壇歷史上最時尚、最多元化、最具想像力的一次“ 流行音樂實驗 ”。 (個人認為這張專輯是雷頌德的巔峰之作)

作為藝人,黎明在1990年代末除了嘗試各種新的音樂風格,還同時嘗試各種新形式的MV,大量使用當時華語市場比較少有的CG動畫和3D動畫。 《眼睛想旅行》和《看上她》等全動畫MV,至今仍很少見。 CG動畫和真人結合的MV《全日愛》更是由黎明親自指導。 從這個角度說,黎明的想法確實比較超前。 放在現在,正好能滿足當前電音和Animation(動畫)、Comic(漫畫)、Game(遊戲)、Novel(小說)大行其道的市場。

Evolution (Non-Stop Remix)》MV

作為老闆,黎明的東亞唱片(製作)主要致力於捧新人,先後捧出了衛蘭、衛詩、JW(王灝兒)和李治廷。 也曾經簽過陳小春和楊千嬅等知名歌手,另外,2010年,東亞唱片(製作)推出了一個叫“樂LOOP”的APP,黎明把旗下藝人的最新內容和作品都放到這個“全港首個無間息音樂娛樂共享FREE APP”。 (如下圖)

儘管公司經營不算成功,藝人們悉數離開了黎明,不過,黎明能在唱片業最壞的時代堅持推新,努力值得讚賞。

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